Dans une interview exclusive, Ariane Castellanos, l’actrice émérite du cinéma québécois, partage ses réflexions sur son rôle clé dans le film historique « Richelieu ». L’artiste talentueuse, connue pour sa polyvalence et son charisme, dévoile les coulisses de son expérience captivante sur le plateau de tournage.

« Richelieu » offre à Ariane Castellanos un rôle complexe et puissant, celui d’une femme influente évoluant au cœur des intrigues de l’exploitation de l’homme. Lors de l’interview, l’actrice exprime sa fascination pour l’époque et l’opportunité de donner vie à un personnage aussi captivant.

« Interpréter ce rôle a été un véritable défi, mais aussi une expérience extrêmement gratifiante », déclare Ariane Castellanos. « Le scénario m’a immédiatement séduite par son intrigue riche en rebondissements et par la complexité émotionnelle du personnage que j’allais incarner. »

L’actrice partage également son enthousiasme pour la collaboration avec le réalisateur du film. « Travailler avec Pier-Philippe Chevigny a été une expérience exceptionnelle. Sa vision artistique et son engagement envers l’authenticité historique ont profondément enrichi le projet. Nous avons travaillé en étroite collaboration pour donner vie à cette période fascinante. »

Ariane Castellanos évoque également les défis rencontrés lors de la préparation du rôle et la recherche approfondie qu’elle a effectuée pour comprendre le contexte historique de « Richelieu ». Elle souligne l’importance de capturer l’esprit de l’époque tout en insufflant sa propre interprétation au personnage.

« Chaque projet apporte son lot de défis, mais c’est ce qui rend le métier d’acteur si gratifiant. Nous avons travaillé dur pour créer un monde authentique et captivant, et j’espère que le public ressentira l’engagement et la passion que nous avons mis dans ce film. »

Cette interview donne un aperçu fascinant du processus créatif d’Ariane Castellanos et de l’effort collaboratif derrière « Richelieu ». Les cinéphiles auront certainement hâte de découvrir la performance remarquable de l’actrice dans ce drame historique qui promet de marquer les esprits et de consolider davantage la réputation d’Ariane Castellanos dans l’univers du cinéma québécois.

Au cœur des montagnes savoyardes, le documentaire « Les Oubliés de La Belle Étoile » de Clémence Davigo a marqué les esprits lors de sa présentation au festival Ramdam 2024. À travers le récit poignant de Dédé, Michel, et Daniel, anciens pensionnaires du centre de redressement catholique La Belle Étoile, le film offre un témoignage bouleversant sur une époque pas si lointaine, où l’enfance était souvent synonyme de souffrance.

Situé au-dessus d’Albertville, La Belle Étoile a été le théâtre de nombreuses injustices infligées à des enfants, qu’ils soient pupilles de la nation, orphelins, ou issus de la DDASS. Les années 60 et 70 ont laissé des marques indélébiles sur des individus tels que Dédé, Michel et Daniel, qui, près de six décennies plus tard, se retrouvent pour partager leur histoire et briser le silence qui a trop longtemps entouré les horreurs de ce centre de redressement dirigé d’une main de fer par l’Abbé Garin.

Le réalisateur Clémence Davigo, en collaboration avec les protagonistes, nous offre un accès émotionnel à leurs souvenirs enfouis. Le documentaire explore le pouvoir de l’amitié et du soutien mutuel qui a permis à ces hommes de se reconstruire au fil des années. La décision de confronter le passé et de révéler au grand jour les sévices subis à La Belle Étoile est un acte courageux, symbolisé par leur rassemblement dans les montagnes savoyardes.

Le cadre majestueux des montagnes contraste avec la noirceur des souvenirs partagés. La demeure qui surplombe le pic de la Belle Étoile devient le lieu symbolique où ces survivants partagent leurs récits douloureux, cherchant à briser l’omerta persistante au sein de l’Église catholique. Le film nous plonge dans une quête poignante de vérité, de reconnaissance, et de justice.

Clémence Davigo guide habilement le spectateur à travers cette épopée émotionnelle, mettant en lumière la résilience humaine face à l’adversité. Le documentaire ne se contente pas de documenter les horreurs du passé, mais pose également des questions cruciales sur la responsabilité des institutions religieuses et la nécessité d’une justice réparatrice.

« Les Oubliés de La Belle Étoile » n’est pas seulement un film, c’est un appel à la compassion, à la compréhension et à la prise de conscience collective. En donnant une voix à ceux qui ont été longtemps marginalisés, le documentaire rappelle l’importance de briser le silence sur les abus du passé pour construire un avenir où de tels traumatismes ne se reproduiront plus.

Depuis sa première à Venise, « Poor Things » ne cesse d’émerveiller, et la performance d’Emma Stone laisse entrevoir un possible second Oscar. Sous la direction audacieuse de Yorgos Lanthimos, le film dépeint l’histoire captivante de Bella Baxter, réanimée à la Frankenstein dans une Angleterre du XIXe siècle fantasmée.

La première partie en noir et blanc nous présente Bella, une femme-enfant fraîchement revenue à la vie, avide de savoir. Sa quête d’émancipation débute aux côtés de Duncan, un avocat libertin. La trame, oscillant entre comédie noire, fantaisie et acuité, offre une expérience cinématographique unique.

L’univers visuel, mêlant les styles victorien et Art nouveau, rappelle une œuvre d’Hayao Miyazaki. Lanthimos, célèbre pour son audace visuelle, pousse les limites avec des choix formels innovants, dont l’utilisation judicieuse d’un objectif « fish-eye ».

Librement adapté du roman d’Alasdair Gray, « Poor Things » est l’œuvre d’une ténacité comparable à celle de son héroïne. Yorgos Lanthimos a bataillé pendant dix ans pour convaincre un studio, illustrant ainsi la persévérance nécessaire à la réalisation de projets originaux.

Dans un paysage cinématographique dominé par les superhéros, « Poor Things » offre une bouffée d’air frais, alliant narration baroque et politique. Emma Stone, par son interprétation courageuse de Bella, inscrit son nom dans l’éternité cinématographique.

Ce film a été présenté en avant-première lors du Ramdam 2024 à Tournai, ajoutant une reconnaissance supplémentaire à cette œuvre captivante.

Le Festival Ramdam à Tournai nous a offert une nouvelle pépite cinématographique avec « Sous le vent des Marquises », réalisé par Pierre Godeau. D’une durée de 1h31, ce film s’inscrit dans le genre de la comédie dramatique et offre une expérience cinématographique à la fois émouvante et inspirante.

Le protagoniste, Alain, interprété de manière magistrale par François Damiens, se trouve confronté à un tournant crucial de sa vie lorsqu’il est choisi pour incarner Jacques Brel, l’illustre chanteur belge, sur scène. Ce rôle ne se limite pas à une simple performance artistique pour Alain ; il devient le point de départ d’une exploration profonde de son propre destin, s’entrelaçant de manière inextricable avec celui de l’artiste qu’il incarne.

La trame narrative se tisse autour de la rencontre entre Alain et sa fille, interprétée avec une grâce touchante par Salomé Dewaels. Cette réunion inattendue et les conséquences qui en découlent ébranlent les fondements même de la vie d’Alain. La magie du cinéma opère ici à son meilleur, car les frontières entre la fiction et la réalité se brouillent, créant une synergie entre l’art et la vie.

La réalisation de Pierre Godeau se distingue par sa sensibilité à capter les nuances émotionnelles des personnages et à les traduire à l’écran. La photographie, les décors et la musique se marient harmonieusement pour créer une atmosphère envoûtante qui transporte le spectateur dans l’univers particulier de Jacques Brel.

« Sous le vent des Marquises » se révèle être bien plus qu’un simple divertissement cinématographique. C’est une expérience émotionnelle riche, une plongée dans les méandres de l’âme humaine. Un incontournable du Festival Ramdam à Tournai et une œuvre qui résonnera longtemps après que le générique final se soit éteint.

Dans le cadre du Festival du Film qui Dérange à Tournai, « Vampire Humaniste Cherche Suicidaire Consentant » d’Ariane Louis-Seize offre une comédie d’une heure et trente minutes, explorant un univers vampirique non conventionnel.

Sasha, interprétée par Sara Montpetit, est une jeune vampire confrontée à un dilemme inhabituel : son humanisme l’empêche de mordre. Lorsque ses parents décident de lui couper les vivres, sa survie est compromise. La rencontre avec Paul, joué par Félix-Antoine Bénard, un adolescent solitaire aux comportements suicidaires, donne lieu à une épopée nocturne. Ensemble, ils tentent de réaliser les dernières volontés de Paul avant l’aube.

Le film, dirigé par Ariane Louis-Seize et Christine Doyon, se démarque par ses performances captivantes. Entre humour noir et réflexions existentielles, l’histoire explore la frontière entre la vie et la mort, le tout soutenu par une mise en scène soignée et une bande sonore évocatrice.

« Vampire humaniste cherche suicidaire consentant » offre une expérience cinématographique unique, repoussant les limites du comique tout en abordant des thèmes profonds.

Cette œuvre, présentée au Festival du Film qui Dérange, marie légèreté et poésie dans un univers vampirique, invitant le public à rire, réfléchir, et peut-être verser une larme à la lumière pâle de la lune.

Le Festival Ramdam, célèbre pour son audace dans le choix de films qui suscitent la réflexion et dérangent les conventions, présente cette année « Pas de Vagues ». Réalisé par Teddy Lussi-Modeste, ce drame contemporain promet de secouer les spectateurs en explorant un sujet brûlant : le harcèlement dans le milieu éducatif.

« Pas de Vagues » réunit un casting exceptionnel avec François Civil, Shaïn Boumedine, Mallory Wanecque, et Agnès Hurstel dans les rôles principaux. La combinaison de talents de ces acteurs donne vie à un récit captivant, soulignant l’impact dévastateur des allégations de harcèlement dans un environnement scolaire en apparence paisible.

Le film plonge les spectateurs dans le quotidien d’un jeune professeur, interprété par François Civil, dont la vie est bouleversée lorsque l’une de ses élèves l’accuse de harcèlement. Ce qui aurait pu être une simple controverse prend une tournure explosive, embrasant le collège tout entier. Les relations interpersonnelles, la confiance et la loyauté sont mises à l’épreuve alors que la communauté scolaire est engloutie par les flammes de la suspicion.

Le réalisateur Teddy Lussi-Modeste, connu pour son approche subtile et incisive, livre une nouvelle fois une œuvre qui questionne les dynamiques sociales. « Pas de Vagues » n’est pas simplement un drame scolaire, mais une exploration profonde des conséquences dévastatrices de la désinformation et du jugement hâtif.

Les performances exceptionnelles des acteurs, en particulier François Civil et Shaïn Boumedine, donnent une profondeur émotionnelle à l’histoire. Leurs personnages complexes offrent une vision nuancée des enjeux sociaux, ajoutant une dimension supplémentaire à ce drame intense.

En explorant le harcèlement et ses conséquences dévastatrices, le film nous pousse à remettre en question nos propres préjugés et à réfléchir sur la manière dont la société réagit face à de telles accusations. Présenté au Festival Ramdam, ce film promet de créer des vagues de discussion et de remettre en question les certitudes, confirmant ainsi la réputation du festival en tant que terrain de jeu cinématographique audacieux.

Le cinéma est souvent le reflet de la diversité des expériences humaines, et le film « Il pleut dans la maison » de la réalisatrice Paloma Sermon-Daï ne fait pas exception. À travers l’histoire de Purdey et Makenzy, deux adolescents livrés à eux-mêmes dans un contexte difficile, le film explore les nuances de l’adolescence et les défis de la transition vers l’âge adulte.

Sous un soleil implacable, Purdey, dix-sept ans, et son frère Makenzy, quinze ans, se retrouvent seuls, livrés à leur sort. Cette histoire se déroule dans un contexte de canicule, un élément météorologique symbolique qui reflète la pression et la chaleur oppressante qui pèsent sur les épaules des protagonistes. La cinéaste choisit de mettre en lumière les difficultés auxquelles sont confrontés ces jeunes, accentuant ainsi le contraste entre l’insouciance de l’adolescence et la dure réalité de la vie adulte qui les attend.

Purdey, interprétée de manière magistrale par une actrice talentueuse ( Purdey Lombet) , se débat avec la responsabilité précoce de subvenir à ses besoins. Son quotidien est rythmé par des ménages dans un complexe hôtelier, une tâche qui met en évidence la fragilité de son innocence face aux exigences de la vie quotidienne. D’un autre côté, Makenzy, joué avec conviction par un jeune acteur prometteur ( Makenzy Lombet), choisit un chemin plus sombre en se procurant de l’argent en volant des touristes. Les choix divergents des deux personnages principaux ajoutent une tension supplémentaire au récit, soulignant les dilemmes moraux et les conséquences de leurs actions.

L’une des forces du film réside dans sa capacité à capturer la complexité des relations familiales. Purdey et Makenzy, malgré leurs différences, sont unis par un lien indéfectible. Le spectateur est témoin de leur solidarité, une solidarité qui devient cruciale alors qu’ils se confrontent à un été qui semble marquer la fin de leur jeunesse. La réalisatrice réussit à exploiter avec subtilité les émotions contradictoires qui habitent ces jeunes, entre l’insouciance de la jeunesse et la conscience naissante des défis qui les attendent.

Le Festival Ramdam 2024 à Tournai dévoile un bijou cinématographique qui a su captiver les spectateurs avec son mélange unique d’humour, d’émotion et de réflexion. « Rétro Therapy », un film poignant réalisé par Elodie Lelu, transporte le public dans l’univers fascinant de Manon, une adolescente introvertie de 16 ans, et de sa grand-mère Yvonne, une ex-militante féministe au caractère bien trempé.

L’histoire se déroule lorsque Manon se voit soudainement confrontée à une cohabitation inattendue avec Yvonne, une grand-mère aussi excentrique que difficile à vivre. Yvonne, autrefois une fervente militante pour les droits des femmes, se retrouve dans l’incapacité de vivre seule et s’installe chez Manon. La situation prend une tournure comique et touchante lorsque Yvonne, confuse par moments, commence à prendre Manon pour sa propre fille, une femme qu’elle n’a presque pas connue.

Le film évolue alors en une aventure captivante où Manon, par jeu au début, entre dans les délires et les souvenirs confus d’Yvonne. Elle endosse le rôle de la fille perdue depuis longtemps, ce qui donne naissance à des scènes hilarantes, mais également à des moments empreints d’une profonde nostalgie. Les deux générations, séparées par des expériences de vie et des époques différentes, s’embarquent ainsi dans un voyage intime à travers les méandres du passé familial.

Ce périple offre à Manon l’occasion unique de découvrir la véritable histoire des femmes de sa famille. Elle plonge dans les archives familiales, déterre des anecdotes oubliées et apprend à connaître sa mère à travers les yeux d’Yvonne. La quête de Manon se transforme en une exploration de l’héritage féminin qui a façonné sa propre identité.

« Rétro Therapy » transcende les genres cinématographiques en offrant une expérience à la fois comique, dramatique et profondément émouvante. Les performances exceptionnelles des actrices principales, incarne le lien complexe entre deux générations de femmes, apportant une authenticité et une humanité poignante à l’écran.

« Rétro Therapy » s’impose donc comme un incontournable du Festival Ramdam 2024,

Le film québécois « Richelieu, » présenté au Ramdam en 2023, offre une vision saisissante des réalités sociales et des défis auxquels sont confrontés les travailleurs temporaires dans une usine agro-alimentaire. Réalisé par un cinéaste passionné par les enjeux sociaux contemporains, le drame d’une durée de 1h29 propose une immersion captivante dans le quotidien d’Ariane, une traductrice français-espagnol, incarnée avec brio par une distribution talentueuse.

L’intrigue se déroule dans une usine dirigée par Stéphane, un jeune patron dont la gestion est motivée par le profit. L’amitié entre Stéphane et l’ancien amoureux d’Ariane crée une toile complexe d’interconnexions entre les personnages. Dès le début, le spectateur est plongé dans un environnement où les enjeux financiers et les relations personnelles entremêlées donnent le ton à une histoire empreinte de réalisme.

Ariane, confrontée à des dettes pressantes, accepte un emploi de traductrice au sein de l’usine. Dès lors, elle devient témoin des conditions de travail précaires auxquelles sont soumis principalement des ouvriers guatémaltèques, recrutés comme travailleurs temporaires. La réalité de la situation ne tarde pas à se révéler à Ariane, qui se trouve confrontée à un dilemme moral poignant.

Le film aborde de front les injustices chroniques qui marquent le quotidien de ces travailleurs précaires. Il soulève des questions essentielles sur la responsabilité sociale et individuelle, mettant en lumière les défis auxquels sont confrontés ceux qui cherchent à équilibrer la survie économique avec leurs convictions éthiques.

La mise en scène habile du réalisateur et la performance exceptionnelle du casting contribuent à créer une atmosphère immersive. Les décors authentiques de l’usine agro-alimentaire renforcent l’impact visuel du film, tandis que la bande sonore subtile souligne les moments émotionnels forts.

« Richelieu » se distingue comme un drame social captivant qui met en lumière les réalités difficiles des travailleurs temporaires dans le Québec contemporain. En abordant des questions universelles telles que la responsabilité sociale et la lutte pour la justice, le film laisse une impression durable, invitant le public à réfléchir sur son propre engagement face aux défis sociaux de notre époque.

Le Festival « Ramdam 2024 » promet de nous emmener dans une aventure unique avec le court métrage « Allo la France », signé par la réalisatrice Floriane Devigne. Ce road-movie atypique offre une plongée captivante dans la France périphérique, explorant des recoins oubliés et des zones en mutation à travers des conversations téléphoniques récoltées dans les dernières cabines publiques.

Floriane Devigne, avec « Allo la France », nous transporte dans un périple téléphonique qui va au-delà des clichés et des frontières géographiques conventionnelles. Au lieu de suivre un itinéraire traditionnel, elle choisit de nous guider à travers les méandres des villages reculés, des zones abandonnées et des lieux souvent négligés par le grand public.

Ces échanges, captés dans les dernières cabines publiques de la France, deviennent une source inestimable de témoignages sur la vie quotidienne, les préoccupations et les réflexions des habitants de ces régions en marge.

« Allo la France » ne se contente pas de décrire les lieux, mais il offre également une réflexion profonde sur la mutation sociale en cours. La réalisatrice met en lumière les enjeux auxquels sont confrontés ces endroits souvent négligés, révélant les tensions, les défis, mais aussi la résilience et la créativité qui émergent dans ces contextes particuliers.

Floriane Devigne adopte un ton résolument contemporain, s’interrogeant sur la façon dont la technologie, notamment le téléphone, peut servir de lien entre des mondes en apparence éloignés. Les conversations téléphoniques deviennent ainsi le fil conducteur d’une trame narrative tissée avec finesse, nous invitant à écouter les voix souvent oubliées de la France.

« Allo la France » incarne l’esprit du Ramdam 2024 en offrant une expérience cinématographique unique et engagée.